Miles Davis, Hank Mobley, Wynton Kelly與John Coltrane之《Someday My Prince Will Come》採譜分析
採譜／整理／分析 – 謝啟彬 Chi-pin Hsieh
「向大師學習」永遠是爵士樂認知與薰陶中非常重要的一環，現在資訊發達了，許多教材講義取得容易，然而我發覺許多樂手或想認真學習爵士即興的朋友，聽音樂的深度不夠，或根本就很少聽音樂，常常遇見的問題是大家拿著「Real
Book」就要蠻幹了，或者是對許多樂理系統枝節問題斤斤計較，就很容易流於紙上談兵及實地操作不知所云等窠臼。「採譜」絕對是最好的方法之一，除了增強耳力外，就是幫助學會「分析式的聆聽」（包含分析），再來呢，「執行模仿」是非常重要的，因為不模仿，技巧就不會進步，控制樂器的程度就會提升得慢，也難以了解大師的思惟。而終究，這些智慧要靠我們自己延伸，用各種想法變化練習，充實自己的語彙，找出自己的樂思，這才是採譜的正面意義，而不是採來看熱鬧的哦！
這篇《Someday My Prince Will
Come》是筆者在三年前的一次爵士音樂系期末考中的準備項目之一，在此地的主修考試中有模仿採譜並完全跟上的技巧科目，兼具磨練技法及熟悉不同爵士詮釋法（Interpretations
;
Feel）的功能，當時我抓了完整版，並從頭到尾一氣呵成地跟上，然而之後的延伸才是重點，從不同的大師演奏中，讓我學到更多的想法，尤其是他們都那麼地獨特—Miles的旋律性、Hank的詩意、Wynton的律動，以及首次見到的Coltrane的獨家手法，尤其是醉拳式的「Sheets
of Sound」，讓我對六位大師（包含貝斯手與鼓手）皆有更深一層的體會，對個人而言有不可磨滅的意義。
讓我們先來看看這首曲子，它是1937年由作曲家Frank Churchill與作詞家Larry
Morey為迪士尼的「白雪公主與七個小矮人」（Snow White & the Seven
Dwarfs）電影所譜寫的，算是世界大名曲，隔年所發行的唱片甚至是史上第一張電影原聲帶。爵士音樂家擅長把當時流行或家喻戶曉的電影歌曲及百老匯舞台劇歌曲改編成爵士版本，也就成為一般人常稱的Standards。如果各位有機會聽原版錄音或電影，可以很清楚地聽到以前的歌曲幾乎都有一段半唸半唱的序奏（Prelude），而和絃進行也沒有很複雜，都著重於管弦樂配器及聲部經過移動的音樂性效果為多，爵士音樂家大都捨棄這些，把它們修改成簡單的和絃及曲式以供即興，原版本中女主角唱的片段是G大調，序曲時的片段是D大調，在爵士樂中大家普遍都以降B大調呈現：
Miles
Davis等人並非爵士樂史上第一組演奏這首歌的人馬，但這個版本是公認的經典，請注意原來的管弦樂作曲家絕對不是只有想這樣的和絃而已，但是在功能和聲（Functional
Harmony）上是這樣的沒錯，就跟爵士和絃記譜保證無法完整呈現柴可夫斯基的作品一樣，爵士音樂家把進行寫下，忽略原本的經過與配器，最重要的是要「即興」，待會我們很快便可看到每位大師的切入點相異之處。和聲的分析應該不是太難，所有出現的Diminished和絃在這裡都是當作經過和絃用，如第9到第11小節，而第28到29小節的#IVdim7-IMaj7/5也是常用的方法。此外大部分的裝飾屬和絃（Secondary
Dominant
Chords）也都很清楚了，唯一一個特色發生在第2、18及第26小節的進行，這是本曲在爵士樂理論上的重點，就是六級的裝飾屬和絃進行到調性四級去，是的，書上叫它「偽解決」（Deceptive
Resolutions）的一種，但是要了解為何這會順耳，還是得回到原曲來看，在原曲中七音都是不被強調的，各位可以看到這個進行，即是因應主題旋律線及聲部移動，學理上我們把它稱作「Voice
Leading」：
再來，各位曉得增和絃跟減和絃一樣道理，轉位之後仍是同樣色彩，所以它們彼此可以互換，尤其是要到EbMaj7前用D當根音會有比較順暢的低音線條，所以其實還是同一個和絃。即便爵士音樂家又把它們加上屬七色彩，還是不會差太多，因為D7的屬七Do是原來“正牌”V7/IV—Bb7的延伸九音Do、Bb7的屬七降La是D7的延伸升十一音升Sol，其他和絃音跟延伸音亦“共享”，所以這例子也很常見，建議各位直接把譜拿去鋼琴上彈，就會非常地清楚，耳朵是不會騙人的！可以聽見的是因應不同段落的主題旋律，延伸音要放對，像D7的這組很明顯地在主題之第2小節及第18小節出現、Bb7這組則出現於快結束時的第26小節，然而在進即興時就自然隨意了，甚至常可以聽到Paul
Chambers走Bb，Wynton
Kelly彈D7，你也可以解釋成D7b9b13以b13音當根音，反之亦同，可是反正幾乎是一樣的聲響就對了！
好，那麼一定有人要問了：那即興者怎麼知道要用哪個和絃來想？這個答案很簡單，可是卻得體會很久，那就是當一位成熟的爵士音樂家在即興時，他已經不是在想哪裡是什麼「和絃」（Chords）了！而是他能感覺到「聲響」（Sounds）的變化，即興起來就會流暢，這種此處談到的聲響是很明顯的，甚至在原版本中就有，至於音樂家要吹彈「反應」出什麼，那就端看他平日「練習」的是什麼囉！這就是你得對不管是簡單（如《All
Of Me》）或是困難（如《Giant
Steps》）的和絃進行都熟悉通順的道理，要不然一即興馬上聽來會像練習曲，或乾脆就在那掙扎啦！
整個曲子的起承轉合，也彷彿是渾然天成的一樣，從一開始貝斯的F音催促跟鼓手的Ride敲擊（聽來很像火車要開動了），大家就停留在所謂的「Dominant
Pedal
Point」上（F是Bb大調的屬音），鋼琴的短短小樂句與和絃配置（Voicing）有種催眠的效果，加上三拍的曲子在早期爵士樂中並不多見，真的帶給人一種夢幻森林的深邃感。Miles獨特的弱音器小號先進來，敲擊式的F
Pedal仍持續，到第五小節才換成一拍一個貝斯音的爵士華爾滋感覺，這種律動一直持續到小號即興結束，才改成Walking及鼓上Rides的三拍Swing，接給了不急不徐的Hank
Mobley，再交回給Wynton
Kelly時又回到較為沈靜的感覺，然而鋼琴的強烈律動很快地把節奏組帶上來，注意聆聽節奏組的轉變會對熟悉曲式很有幫助。在鋼琴A1即興結束時，Miles又回來吹主題，並維持了八小節的F
Pedal Vamp，好像非常“慎重”地迎接John
Coltrane進場的樣子，在當時可算是空前的做法，關於這個部份典故版本各有不同，有人說是剪輯的，有人說是事後再搭的，有人說是Coltrane遲到、Miles要他趕快溜進來錄，有點像「三隻毛毛蟲」的故事……但是不管如何，Coltrane的這個傳世即興是絕對無法忘懷的，這也等於宣告了他與Miles合作關係的正式終止。回主題時Miles也只吹一半，後面又讓F
Pedal的迷霧籠罩下來，鋼琴又開始點綴，身為鋼琴手的人應該把他的樂句及comping、Voicing全部吸收，尤其是幾處以Diminished音階排列的上行Voicings已經是經典了！而他於Miles前後兩次吹主題時都在背後用重音移動手法（Rhythmic
Displacement）大玩二對三，聽出來了嗎？欸…且慢，如果音響開得夠大聲，還可以聽到結尾的漸強漸弱了後，不曉得是誰還對著麥克風捲舌「噠」了一聲呢！
接下來讓我們“放大倍數”，來看看每位大師的獨特即興手法吧！
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